Der in Südafrika geborene Fotograf Zak van Biljon gewinnt seine Werkinspiration aus der komplexen Beziehung zwischen Mensch und Natur. Dabei widmet er sich einer Vielzahl unterschiedlicher Themen, in denen er unsere Wahrnehmungsrealitäten oder die Schnittstellen von Mensch, Natur, Urbanität und Kunst untersucht. Vor allem aber hinterfragt van Biljon user universelles Verständnis der natürlichen Welt. Als Meister der Infrarot-Fototechnik generiert van Biljon in seinen Fotografien verführerische Effekte, welche die Vermittlung einer rein ästhetischen Naturwahrnehmung weit übertreffen. Während die kommende Ausstellung van Biljons unverwechselbare Landschaftsbilder — die uns aufzeigen, wie wir die Natur in einem alternativen Farbspekturm erleben — integriert, liegt der Fokus auf Fotografien, in denen sich der Künstler mit dem Thema der Abstraktion auseinandersetzt. Im Besonderen untersucht van Biljon die Fähigkeit der Natur, sich auf unterschiedliche Weisen selbst zu abstrahieren.
​So abstrahiert sich die Natur beispielsweise in filigran komplizierten Strukturen wie sie in Wäldern oder Blumenfeldern auftauchen. Zak van Biljon hat sich in zwei eigenständigen Serien speziell mit diesen Naturgebilden auseinandergesetzt. In der Ausstellung werden ausgewählte Werke aus beiden dieser Serien erstmals zusammen ausgestellt. Im Gegensatz zu van Biljons klassischer Infrarot-Landschaftsfotografie, verweisen die neuen Fotografien auf natürliche Mikrokosmen, welche die universalistische Dynamik zwischen Ordnung und Unordnung in der natur- und menschengemachten Welt veranschaulichen. Vor allem faszinieren die Fotografien von Unterholz, Geäst, Blumenfeldern und Wiesen aufgrund ihrer Verdichtung von Mustern und Details. Unter Anwendung der Infrarottechnik werden scheinbar widersprüchliche Farbakzente im Bild sichtbar, die sich als eigenständige Bestandteile der natürlichen Strukturen offenbaren. Kurzum macht uns van Biljon so auf die malerischen und abstrahierenden Qualitäten der Natur aufmerksam. Mit anderen Worten zeigen uns die Fotografien, wie die Natur ihre eigenen Formen erschafft und selben Moment wieder auflöst.
​Doch die Fähigkeit der Natur sich selbst zu abstrahieren kommt nirgends sosehr zur Geltung wie in van Biljons Fotografien von Wasseroberflächen, welche die jüngste Erweiterung im Oeuvre des Fotografen darstellen. Diese Bilder verweisen auf die Materialeigenschaften von Wasser und verdeutlichen erneut, inwiefern die Natur selbst als modernistische Künstlerin agiert, die sich selbst fragmentiert und abstrahiert. Im fotografischen Moment der Wasserbilder wird derjenige Zeitpunkt kommentiert, in welchem die Spiegelformen auf der Wasseroberfläche durch die Bewegungen des flüssigen Elements aufgelöst, fragmentiert und abstrahiert werden. Beeindruckend ist vor allem auch die monochrome Goldfarbe dieser Fotoreihe. In dieser Hinsicht fordert van Biljon unsere Naturwahrnehmung aufs neue heraus und bleibt dabei seinem Medium — dem Infrarot — treu. Der Künstler verwandelt das Wasser nicht nur in seiner Farbigkeit, sondern scheinbar auch in seiner Materialität; er wandelt Wasser — im wahrsten Sinne des Wortes — zu Gold.
​Im Wesentlichen reflektiert die Ausstellung van Biljons Interessen an den allgegenwärtigen Transformations- und Abstraktionsprozessen der natürlichen Welt. Die kuratierte Bildauswahl der widerspiegelt das breite Erlebnisspektrum, das mit der Betrachtung von Infrarotfotografie einhergeht und vermittelt einen umfassenden Einblick in das ständig wachsende Infrarotuniversum von Zak van Biljon.

Mauro Perucchetti verfolgt einen minimalen Ansatz in der Malerei durch einen intensiven und doch kontrollierten Einsatz von Farbe, Pinsel und Medium. Mauro arbeitet mit Pigmenten, Ölfarben und gemischten Medien und hinterfragt die Grundlagen der Malerei mit üppigen Kompositionen texturierter Formen, die das, was auf der Leinwand zu sehen ist, wieder mit den Texturen seiner Ursprünge auf der Palette des Malers zu verbinden scheinen.

“Obwohl es sich nicht um Skulpturen handelt, sind die Kunstwerke definitiv dreidimensionale Gemälde”, sagt Mauro. “Das erinnert mich daran, wie Enrico Castellani die wunderbar einfache Beschreibung prägte, die er einigen seiner Werke gab: SUPERFICI oder Oberflächen. Die Malerei ist untrennbar mit meinen Emotionen und Erfahrungen verbunden, und SUPERFICI ist das Ergebnis unzähliger Scans der Umgebung, die meine Sinne aufnehmen, wenn ich in der Natur bin. Die Schönheit, die sich in der Natur in Form von Texturen, Farben und Düften manifestiert, wird auf der Leinwand abstrakt.”

Die Auseinandersetzung mit dem Klimawandel ist heute wichtiger denn je. Angesichts von Erdoberflächen, Höhlen, Vulkanausbrüchen, erodierenden Korallenriffen, Abholzung und Waldbränden müssen wir den Planeten Erde respektieren. In der Natur zu sein war schon immer mein Himmel auf Erden.

Es sind unbekannte Gebiete, die der Betrachter nach Belieben erforschen und sich darüber wundern kann, dass sie nie zweimal gleich aussehen.

Je nachdem, wie das Licht die dreidimensionalen Oberflächen der Gemälde umspült, kann sich der Betrachter buchstäblich in einem Meer von Farben und in den Schatten und Lichtern verlieren, die durch die Topografie der organischen Texturen entstehen.

Alle sind abstrakt, einige sind eher minimalistisch, andere eher abstrakt-expressionistisch, alle sind das, was man aus ihnen macht, aber alle tragen eine eindeutige Handschrift, die es schwierig macht, die ihnen innewohnende Sensibilität des Künstlers nicht zu erkennen.

„Ich weiß, dass ich mich ausdrücke, wenn ich male, aber ich kann die Quelle des Ergebnisses nicht erklären Gesten. Ich will damit keineswegs andeuten, dass die schwarze Materie für das, was ich male, verantwortlich ist, ich interessiere mich vielmehr für die Beziehung zwischen den beiden unerklärlichen Bewegungen, der der im Universum beobachteten und der von meinem Pinsel nachgezeichneten.” – Santiago Parra
Parra hat bereits in weltweit führenden Kulturzentren wie London, Mexiko, Miami und Madrid ausgestellt. Parra ist international bekannt für seine kraftvollen schwarzen abstrakten Gemälde auf roher Leinwand, die jeweils mit einem einzigen Pinselstrich entstehen.
Der Titel der Ausstellung ist eine poetische Anspielung auf das weltbekannte Phänomen der dunklen Materie. Die dunkle Materie besteht aus nicht nachweisbaren Partikeln, die kein Licht absorbieren, reflektieren oder emittieren. Die dunkle Materie wird für die unerklärlichen Bewegungen von Sternen in Galaxien verantwortlich gemacht. Wie ein Künstler der versucht, mit einem einzigen Pinselstrich zu malen, der vom Unbewussten gesteuert wird, versteht Parra die Schwarze Materie nicht nur als eine Reflexion der unerklärlichen Bewegungen in unseren Galaxien, sondern auch als eine schöne Metapher für die autonome Bewegung seines Pinsels beim Malen.
Parra`s Basismedium, eine leere Leinwand und schwarze Acrylfarbe, spielt eine wesentliche Rolle in seinem Suche nach autonomem Ausdruck. Die Einfachheit des Mediums und die Technik mit nur einem Pinselstrich-Technik sind die reinsten und nahtlosesten Kanäle für seinen Ausdruck und die Materialisierung des Unterbewusstseins.
Black Matter stellt somit eine poetische Parallele zwischen Parra`s Praxis und den unerklärlichen und unsichtbaren Kräfte, die die Sterne und Galaxien kontrollieren. Auf diese Weise steigert Black Matter nicht nur das Geheimnis der automatischen Malerei, sondern hebt auch die Bedeutung des Unterbewusstseins bei der abstrakten Bildgestaltung.
Santiago Parra befindet sich in den Sammlungen des Perez Art Museum Miami (PAMM), Miami, USA,Jorge Pérez Collection, USA, Jean et Colette Cherqui Collection, Frankreich, Tanya C. Brillembourg Collection, USA, Solita Mishaan Collection, Spanien, Cesar Gaviria Collection, Kolumbien, Sammlung Kehinde Wiley, USA, und Sammlung Lazaro, Spanien.

JD Malat Gallery ist stolz darauf, ihren neuen Pop-up-Raum in der weltweit einzigartigen Alpenmetropole St. Moritz zu präsentieren. In diesem Winter wird die JD Malat Gallery die Arbeiten ihrer aufstrebenden und etablierten internationalen Künstler zusammenbringen, um den dynamischen interkulturellen Austausch zwischen dem vielfältigen Programm der Galerie und St. Moritz hervorzuheben.

St. Moritz war im Laufe der Jahre ein kreatives Zentrum für viele Visionäre. Von der Familie Giacometti und dem Alpenmaler Giovanni Segantini bis hin zu Intellektuellen, wie dem Philosophen Friedrich Nietzsche und dem Schriftsteller Thomas Mann. Seither ist St. Moritz als ein beliebter Ort bekannt, an dem sich verschiedene Traditionen und Kulturen treffen und austauschen.

Als kulturelles Zentrum, das die Vielfalt umarmt und Kreativität willkommen heißt, spiegelt der St. Moritzer Pop-up-Raum das Ziel der JD Malat Gallery wider, nämlich ein vielfältiges Publikum für die Welt der Kunst zu inspirieren und zu begeistern.

Unsere Künstler in einem neuen Kontext zu sehen, ist eine spannende Art, über dessen Kunst nachzudenken. Während wir hier in Mayfair, London, Einzelausstellungen veranstalten, wird unser Pop-up in St. Moritz ein Raum sein, der Gruppenausstellungen gewidmet ist.

«Die Arbeiten unserer Künstler im Kollektiv und in einem neuen Raum zu zeigen, gewährleistet einem neuartigen und kreativen internationalen Publikum die Kunst aus aller Welt zu schätzen» – Jean-David Malat, Gründer.

Zum ersten Mal werden in St. Moritz die Arbeiten von führenden Künstlern wie dem kolumbianischen abstrakten Expressionisten Santiago Parra, dem ghanaischen figurativen Maler Kojo Marfo sowie dem amerikanischen abstrakten Maler Andy Moses und dem türkischen Bildhauer Hande Sekerciler zu sehen sein.

Im Pop-up-Raum werden auch Arbeiten von Künstlern präsentiert, die sich bereits in prominenten Schweizer Sammlungen befinden. Der weithin bekannte Schweizer Bergmaler Conrad Jon Godly, die isländische Künstlerin Katrin Fridriks und der führende abstrakte Nachkriegsmaler der Westküste Ed Moses werden gemeinsam gezeigt. Ebenfalls in die Schweiz zurückgekehrt sind die Arbeiten der führenden figurativen Maler Jean-Pierre Cassigneul und Henrik Uldalen sowie die Arbeiten des konzeptionellen Licht- und Textkünstlers Robert Montgomery.

Indem die JD Malat Gallery die kreative Perspektive jedes einzelnen Künstlers nach St. Moritz bringt, hofft sie, den Dialog zwischen internationalen Künstlern zu stärken und die verbindende und umfassende Kraft der Kunst deutlich zu machen.

Die JD Malat Gallery ist auf zeitgenössische Kunst spezialisiert und setzt sich für ein breites Spektrum an aufstrebenden und internationalen zeitgenössischen Künstlern ein. Das Programm besteht aus einer Reihe von spannenden Künstlern, unterstützt durch ganzjährige Ausstellungen und zeitgenössische Kunstmessen. JD Malat Gallery x St. Moritz feiert das vielfältige und innovative Programm, das die JD Malat Gallery zu bieten hat.

kuratiert von Carolin A. Geist und Virginia Fleming.

… Eine kleine Geschichte in 3 Teilen:

1. Am Anfang und am Ende war die Manufactura Engiadina – Junge Einheimische
2. Am Anfang war das erste kommerzielle Plakat von 1895 –
3. Am Anfang des Rundgangs ist Giovanni Segantini – Moritzer Kunstgeschichte.

Diesen Herbst zeigt die Galerie 10 St.Moritz eine Ausstellung die den Spagat zwischen junger zeitgenössichen Kunst und der lokalen St.Moritzer Kultur- und Kunstgeschichte wagt. Dieser Inhalt ist auch dementsprechend räumlich strukturiert.

Aus einem Projekt der Manufactura Engiadina (www.manufacturaengiadina.com) entstand im Sommer 2020 ein Wettbewerb in dem junge einheimische Künstlern die Möglichkeit gegeben wurde, in Kooperation mit der Gemeinde St.Moritz zusammen, das offizielle Poster für den Sommer 2021 für St.Moritz zu entwerfen.

Aus allen 17 Bewerbern stach für die Jury die kristalline Vision von Aaron Schwarz hervor. Eine Sehnsuchtslandschaft, die sowohl das Strahlen den Sommers, die Andeutung des Winters, die Natur, die Urban-Alpine-Einzigkeit von St.Moritz, das Weltmännische, wie die Ruhe einfing.

Alle 17 Plakate werde ausgestellt und können käuflich erworben werden.

Um dem Besucher, die Werke der jungen Künstler im Kontext der Kulturgeschichte von St.Moritz zu zeigen, recherchierten die Kuratoren in der Geschichte des Städtchens und erweiterten die Ausstellung um eine Aufarbeitung der Geschichte der Plakate von St.Moritz, die mit den ersten kommerziellen Plakaten aus dem 19. Jahrhundert beginnt, und mit dem zukünftigen Plakat von 2021 aufhört. Kapitelweise wird auf die verschiedene Etappen eingegangen.

Wusstet ihr zum Beispiel, dass die ersten Plakate von St.Moritz gar nicht vom Kurverein als Auftrag erschaffen wurden? Damals gab es noch gar keinen Kurverein. Die aller ersten Plakate stamment ironischer Weise aus Frankreich und waren Werbematerial für die Ost-Französische Eisenbahnsgesellschaft, die neue Kunden auf ihren Routen anlocken wollten.

Das aller erste kommerzielle Plakat von St.Moritz stammt aus 1895 (aber – es existieren kommerzielle Plakate vom Engadin aus den 1890er Jahre – im Titel beginnt deshalb die Chronologie 1 Jahr vorm ersten St.Moritzer Plakat).

Im Rahmen der Recherchen stiess die Kuratorin Carolin A. Geist auf die wundersame Geschichte des

«Segantini-Fundes»: 2007 hatten Mario Häfliger und Marius Hauenstein auf dem Dachboden der Evangelischen Kirche St.Moritz zwei alte Kisten gefunden… Ein realer Schatz! Schlummerten darin doch seit 109 Jahren zwei Original Segantinis. Giovanni Segantini hatte für das Kantonale Sängerfest 1898 zwei Gobelins als Plakate bemalt. Und diese waren auf dem Dachboden in Vergessenheit geraten. Ihre Geschichte wird im Vorderraum der Ausstellung erzählt, und die Originale ausgestellt.

Text: Carolin A. Geist

by Helen Waldburger, Elliot Jack Stew

Die Galerie 10 in St. Moritz freut sich sehr, die erste Schweizer Ausstellung des Künstlerduos “Waldburger-Stew” zu präsentieren.

2014 lernten sich die Kunststudenten Helen Waldburger und Elliot Jack Steve an der Londoner Univerität Central Saint Martins Kenen. Viele gemeinsame Erfahrungen und Überzeugengen sowie intensiv erörterte Visionen flochten seitdem ihre Leben stets dicher aneinander, bis dieser fast eigenständige dritte Partner – die Kunst – entstand und sich weiter entfaltete

Schon seit über einem Jahrzehnt wohnt und arbeitet der Wahl-Celerinaer zwischen dem Zürichsee und dem Stazer Wald.

Nicht selten finden deshalb Szenen der Engadiner Natur oder des St Moritzer Gesellschaftstreiben Niederschlag in seinen Werken – wie die aktuell ausgestellten Gemälde zum St.Moritzer See, zum Stazer Wald, zur Oberengadiner Seenplatte oder eine Szene eines heiteren Abends in einer Bar im Badrutt Palace bezeugen.

Funklnd lebendige und dabei so gar nicht willkürlich ausgesuchte Szenen verleihen dem Thema Engadin in der Malerei eine spannende neue Wiedergeburt.