top of page
logo-galerie.png

You were just right about everything

MARTA KUCSORA

10. Februar – 16. April, 2023

Marta Kucsora2.jpg
MARTA KUCSORA

Press Release

"Die moderne Ästhetik ist durch ihre Abhängigkeit von dem Konzept der 'Schönheit' verkrüppelt. Als ob es in der Kunst über' Schönheit - wie die Wissenschaft 'über' Wahrheit! Kunst ist eine Form des Bewusstseins."

Susan Sontag

Ich betrachte meine künstlerische Arbeit als eine selbstreflexive Befragung der traditionellen Staffeleimalerei. Ich glaube an die bleibende Bedeutung des malerischen Kanons, an den Bedeutungswandel, der mit der formalen Entwicklung einhergeht, an die symbolischen Obertöne der Gesten und an die visionären Aspekte der abstrakten Kunst. .. Meine Leinwände beschwören die befreienden Energien, die vitalisierenden Potenziale der alltäglichen Umgebung herauf. Ich betrachte sie als eingefrorene Momentaufnahmen der sich ständig verändernden verborgenen Strukturen unserer planetarischen Dimension, eines kosmischen Raumes, der jenseits unserer Sinne existiert und Teil eines Reiches ist, das ich gerne als "Metaverse" bezeichne. Meine Kompositionen evozieren die unsichtbaren Prozesse der Natur, die zufälligen, zweideutigen und unentdeckten Aspekte unserer Umgebung. Ich versuche, die unvorhersehbaren und verblüffenden Beziehungen zwischen den interagierenden Formen darzustellen. Ich habe einen biozentrischen Ansatz in der Kunst, meine Arbeitsmethode ist analog zum organischen Formprozess in der Natur, dem immerwährenden Modell für alle Lebewesen. Was ich in den Fokus rücken möchte, sind die rhythmische Wiederholung und die unterbrochene Diskontinuität mancher organischer Formationen, das eigentümliche Gefüge des Kalkulierbaren und die chimärische Kohärenz der Kräfte. Meine Bilder sind Aussagen über den ständig wiederkehrenden, entropischen Kreislauf zwischen mir und der Welt um mich herum, eine sich selbst erhaltende Chemie, die aus den sich ewig verändernden Mustern organischer Strukturen und anorganischer Elemente gewoben ist.

Ich habe ein inneres Bedürfnis zu malen, da ich die regelmäßigen und unregelmäßigen Muster meiner eigenen Existenz, die bedingte, aber nicht absolute Realität der Ereignisse, Dinge und Handlungen, die um mich herum geschehen oder sich entfalten. Meine Bilder sind Illustrationen eines latenten genetischen Codes, der tief in der Natur existiert. Ein unsichtbarer und unbewusster Algorithmus, den ich mit einer dem automatischen Schreiben ähnlichen Technik entschlüssle und ins Leben rufe. Ich bin auf der Suche nach der Bestimmung des Aleatorischen und versuche, die verborgene Logik des Zufalls während einer bewusst arrangierten und absichtlich geplanten Aktion zu enthüllen. Die Dynamik meiner Kompositionen manifestiert sich in der Theatralik meines Arbeitsprozesses. Ich interessiere mich für die somatische Dimension der Malerei, den schöpferischen Akt der Herstellung, die verblüffenden Ergebnisse des sich selbst regelnden Nachhalls der Farbinteraktionen und den scheinbar systemlosen Fluss der reichen Farben. Andeutung kommt in meinem Wörterbuch nicht vor. Ich verzichte auf Vorzeichnungen, lege aber großen Wert auf das choreografierte Arrangement, die Einübung bestimmter Bewegungen, die selbstgesteuerten Manöver in meiner Arbeitstechnik

Ich habe eine unerschütterliche Begeisterung für die Bergsonsche Zeit, die sensomotorischen Aktionen der Schöpfung. Ich verfolge die unvollständige Zeitlichkeit des Bewusstseins, die Sequenzialität der subjektiven Erfahrung, die Mobilität der Existenz. Meine Werke stellen die sich überschneidenden Momente des zyklischen Wachstums und die sich entfaltenden Muster der vergänglichen Zeit dar - eine Kette von suggestiven, aber intellektuellen Bildern, die übereinander projiziert werden. Ich fühle mich immer ermutigt, wenn ich über Künstler stolpere, die versuchen, die inneren Möglichkeiten einer kompositorischen Idee auszuschöpfen, die endlosen Variationen der farbigen Quadratbilder von Josef Albers, die medienunabhängigen Experimente mit demselben Thema in der Kunst von László Moholy-Nagy und die systematischen Datenvisualisierungen in der visuellen Ästhetik meines Zeitgenossen Refik Anadol. Ich fühle mich inspiriert von der meditativen Natur der Serialität, der Ruhe der subtilen Unterschiede und dem harmonischen Rhythmus ineinandergreifender Rahmen.

Mein Gefühl für Zeitlichkeit findet seine Entsprechung in den Mehrkanal-Installationen von Isaac Julien, die auf poetische Weise über den kontinuierlichen Fluss der Zeit reflektieren, und auch in den fesselnden Zeitlupenvideos von Bill Viola.

Ich sehe die Wirkung meiner Bilder in der körperlichen Darstellung des Mediums, die über die die über die Materialität der Farbe hinausgeht, eine kritische Revision der Assoziationen, die mit Assoziationen zu Gemälden, komplexen Geschichten, theoretischen Rahmen und Praktiken. Ich frage mich, ob eine Komposition am besten als ein Raum definiert werden könnte, in dem das Zusammenspiel von Individuen und das Drama des Sozialen inszeniert wird. Ich gebe zu, dass die Malerei ein aufschlussreiches Bild des Künstlers liefert, der sie geschaffen hat.

Aber während die Lyrik des Abstrakten Expressionismus als Ausdruck der Innerlichkeit des introspektiven Ichs behandelt wurde, verherrlicht mein Ansatz nicht nur die Subjektivität, sondern bietet auch eine visuelle Entsprechung zu den Erfahrungen der zeitgenössischen Welt. Ich frage mich immer wieder, ob die enormen Ausmaße meiner Leinwände, die oft über Lebensgröße hinausgehen, und die kraftvollen, energiegeladenen Spuren meiner ästhetischen Interventionen eine a priori Klassifizierung in Bezug auf das dahinter stehende Geschlecht erforderlich machen. Mein expressionistisch geprägter Stil wurde immer mit männlichen Künstlern gleichgesetzt, aber ich bin überzeugt, dass diese einseitige Tendenz keinerlei Berechtigung hat. Ich bin der festen Überzeugung, dass die Härte des Malens, die Kühnheit des Experimentierens und die immensen Formate, die ich wähle, nicht automatisch mit Männlichkeit assoziiert werden sollten. Die kritischen Aspekte in Bezug auf das Geschlecht sind in meiner Arbeit nicht direkt kodiert. Aber ich versuche, eine Anspielung auf die Tatsache zu machen, dass reiche Intimität und Heldentum keine ausschließenden Begriffe sind. Tatsächlich könnten die künstlerischen Wertkriterien von der weiblichen Tugend abgeleitet werden, und die Größe des Werks ist für ein ästhetisches Urteil irrelevant. Die geschlechtsspezifischen Schubladen führen in die Irre und sind das Ergebnis irreführender Interpretationen. Meines Erachtens können Künstlerinnen auch als sensible Seismographen unserer Gesellschaft fungieren, und als solche haben sie die gleiche Kompetenz und Autorität wie Männer, ihre viszeralen Instinkte auf ein taktiles Medium zu übertragen, das von einem unermüdlichen menschlichen Körper aktiviert und kontrolliert werden muss.

Mit diesem Denken bin ich eins mit einigen der Künstlerinnen, die mich durch ihre Statur fasziniert haben - Annie Albers, Perle Fine, Hilma af Klint, Elaine de Kooning, Joan Mitchell und Corinne Michelle West. Ich betrachte sie als meine Vorfahren, denn sie hatten entweder einen radikalen Ansatz zur Nicht-Figuration oder eine gewisse Neigung, die physischen Grenzen der bemalten Leinwand zu betonen, und sie betrachteten ihre eigenen Arbeiten als kartografische Darstellungen ihres körperlichen Ausdrucks und ihrer körperlichen Arbeit. Ich betrachte mich als eine Künstlerin, die allein und unabhängig arbeitet. Die charakteristische Haltung meiner Kunst beruht auf dem individuellen, einsamen Aspekt, da ich mich absichtlich von großen Ateliers distanziere, die von einem Heer von Assistenten unterstützt werden. Deren "Produkt" besitzt einen anfälligen genetischen und fragwürdigen Wert. Mein Geistesprodukt hat nur eine Mutter. Ich arbeite nicht für Aufträge, und ich kann keine meiner früheren Kompositionen wiederholen.

In meiner eigenen Praxis wird die Malerei als eine eigenständige Einheit verstanden, die unergründliche Tiefen aufweist und einen unendlichen psychologischen und physischen Raum suggeriert. Deshalb ist die Entwicklung meiner Bilder, ihr Fortschreiten von der Entstehung bis zu ihrer Vollendung von wesentlicher Bedeutung. Meine schöpferische Arbeit ist vergleichbar mit den Bemühungen eines Alchemisten, der versucht, ein mysteriöses Geheimnis zu lüften.

Mein Atelier kann zwar leicht mit einem Labor in Verbindung gebracht werden, aber ich kann es mir nicht leisten, zeitaufwändige Experimente durchzuführen, wie es ein Wissenschaftler tun würde. Eine Analogie mit einem Operationssaal ist angemessener. Ich muss schnell und effizient arbeiten, damit die Farbe in meinen Bildern nicht eintrocknet. Ich verwende eine dünne Farbe, die es mir ermöglicht, komplizierte, geschichtete Texturen auf meine Leinwände aufzutragen. Meine Primärfarben sind helle, feurige und gesättigte Direktfarben, die zusammen mit einer speziellen Art von Gel als Grundstruktur dienen. Ergänzt werden sie durch den Einsatz der Spritzpistolentechnik, die eine zusätzliche Schicht bildet, die die dunkleren Töne der Oberfläche akzentuiert. Dies verleiht meinen Kompositionen auch eine illusorische Tiefe, eine flächengebundene Plastizität, die an das imaginäre Fleisch und Blut meiner Kreaturen erinnert. Ich lege großen Wert auf die Viskosität der Farbe, experimentiere gerne mit neuen synthetischen Materialien und interessiere mich für die chemischen und physikalischen Eigenschaften der verschiedenen Pigmentmischungen, für die Möglichkeiten von Streckmitteln und Verzögerern und für das Verhalten von verschiedenen Substanzen in der Mischung. Ich mische die Farben miteinander, indem ich die Leinwand auf dem Boden in verschiedenen Winkeln kippe, wodurch lavaartige Formationen und biomorphe Formen entstehen, die an die Vegetation einer surrealistischen Landschaft erinnern. Das unentwirrbare Geflecht der Oberfläche wird durch einige verschlungene, ausdrucksstarke, kalligrafische Linien weiter ausgearbeitet, die normalerweise durch Tropfen und Spritzer der Farbe entstehen. Sie sollen ein Gegengewicht zu den wolkenartigen Mustern bilden, die ungleichmäßig den gesamten Rahmen ausfüllen. Sie sollen auch die Wahrnehmung des Betrachters in diesem immersiven, schwebenden Universum lenken, das ich in meinen Kompositionen erschaffe.

Ein bedeutendes Merkmal meiner Bilder ist die Abwesenheit des Pinsels. Meine allumfassende körperliche Präsenz, meine heftigen, aber koordinierten Gesten, die Spontaneität der schwingenden Bewegung meines Arms und die subtilen Gleichgewichte meiner Körperhaltungen sind für die Behandlung verantwortlich. Ich vermeide es bewusst, während des Malens meine Emotionen auszudrücken, denn meine Arbeit erfordert eine fokussierte Konzentration, eine intuitive, aber logische Führung meines Geistes. Malen ist für mich eine intime, persönliche Angelegenheit, eine inszenierte Performance, die durch eine Reihe von Ereignissen entsteht, bei der es keine kleinen Schnitte gibt, nur eine einzige Gelegenheit, bei der ich mir keine Fehler leisten kann.

Ich möchte als jemand beschrieben werden, der eine New-Age-Mystik in seine Arbeit einfließen lässt, eine Künstlerin, die auf den Grund der ästhetischen Investition schaut, die die Abstraktion bieten kann. Eine Künstlerin, die die geistigen Kanäle ihres gestischen Ausdrucks, die manuellen Abdrücke in einer Welt einsetzen kann, die die anorganische Bewegung, die unmenschliche Energie und die Flut der unbeweglichen und mechanischen Reproduktionen. Ich glaube fest daran, dass meine Bilder Momente zurückbringen können Momente zurückbringen können, die in unserem langweiligen und korrodierten Leben verblasst sind. Ich bezeichne sie als Ornamente eines neuen Existenzialismus. Sie können uns helfen, unsere Sinneserfahrungen zu aktivieren und die Möglichkeiten unserer kreativen Vorstellungskraft zu erweitern. Ich bin auch davon überzeugt, dass sie letztlich den verlorenen Glanz der Natur zurückbringen können, der für unser unbeschwertes Leben so unverzichtbar ist.

Meine Kompositionen evozieren die unsichtbaren Prozesse der Natur, die zufälligen, zweideutigen und unentdeckten Aspekte unserer Umgebung. Ich versuche, die unvorhersehbaren und verblüffenden Beziehungen zwischen den interagierenden Formen darzustellen. Ich habe einen biozentrischen Ansatz in der Kunst, meine Arbeitsmethode ist analog zum organischen Formprozess in der Natur, dem immerwährenden Modell für alle Lebewesen. Ich möchte die rhythmische Wiederholung und die unterbrochene Diskontinuität mancher organischer Formationen, das eigentümliche Gefüge des Berechenbaren und die chimärenhafte Kohärenz der Kräfte in den Mittelpunkt stellen. Meine Bilder sind Aussagen über den ständig wiederkehrenden, entropischen Kreislauf zwischen mir und der Welt um mich herum, eine sich selbst erhaltende Chemie, die aus den sich ewig verändernden Mustern organischer Strukturen und anorganischer Elemente gewoben ist.

Meine Leinwände beschwören die befreienden Energien, die vitalisierenden Potenziale der gewöhnlichen Umwelt. Ich betrachte sie als eingefrorene Momentaufnahmen der sich ständig verändernden verborgenen Strukturen unserer planetarischen Dimension, eines kosmischen Raumes, der jenseits unserer Sinne existiert und Teil eines Reiches ist, das ich gerne als "Metaverse" bezeichne. Meine Kompositionen evozieren die unsichtbaren Prozesse der Natur, die zufälligen, zweideutigen und unentdeckten Aspekte unserer Umgebung. Ich versuche, die unvorhersehbaren und verblüffenden Beziehungen zwischen den interagierenden Formen darzustellen. Ich habe einen biozentrischen Ansatz in der Kunst, meine Arbeitsmethode ist analog zum organischen Formprozess in der Natur, dem ewigen Modell für jedes Lebewesen. Was ich in den Fokus rücken möchte, sind die rhythmische Wiederholung und die unterbrochene Diskontinuität mancher organischer Formationen, das eigentümliche Gefüge des Kalkulierbaren und die chimärische Kohärenz der Kräfte. Meine Bilder sind Aussagen über den ständig wiederkehrenden, entropischen Kreislauf zwischen mir und der Welt um mich herum, eine sich selbst erhaltende Chemie, die aus den sich ewig verändernden Mustern organischer Strukturen und anorganischer Elemente gewoben ist.

Ich habe ein inneres Bedürfnis zu malen, da ich die regelmäßigen und unregelmäßigen Muster meiner eigenen Existenz, die bedingte, aber nicht absolute Realität der Ereignisse, Dinge und Handlungen, die um mich herum geschehen oder sich entfalten. Meine Bilder sind Illustrationen eines latenten genetischen Codes, der tief in der Natur existiert. Ein unsichtbarer und unbewusster Algorithmus, den ich mit einer dem automatischen Schreiben ähnlichen Technik entschlüssle und ins Leben rufe. Ich bin auf der Suche nach der Bestimmung des Zufälligen und versuche, die verborgene Logik des Zufalls während einer bewusst arrangierten und absichtlich geplanten Aktion aufzudecken. Die Dynamik meiner Kompositionen manifestiert sich in der Theatralik meines Arbeitsprozesses. Ich interessiere mich für die somatische Dimension der Malerei, den schöpferischen Akt der Herstellung, die verblüffenden Ergebnisse des sich selbst regelnden Nachhalls der Farbinteraktionen und den scheinbar systemlosen Fluss der reichen Farben. Andeutung kommt in meinem Wörterbuch nicht vor. Ich verzichte auf Vorentwürfe, lege aber großen Wert auf die choreografierte Anordnung, die Einübung bestimmter Bewegungen, die selbstgesteuerten Manöver in meiner Arbeitstechnik.

Ich habe eine unerschütterliche Begeisterung für die sensomotorischen Aktionen der Schöpfung. Ich verfolge die unvollständige Zeitlichkeit des Bewusstseins, die Sequenzialität der subjektiven Erfahrung, die Mobilität der Existenz. Meine Werke stellen die sich überschneidenden Momente des zyklischen Wachstums und die sich entfaltenden Muster der vergänglichen Zeit dar - eine Kette von suggestiven, aber intellektuellen Bildern, die übereinander projiziert werden. Ich fühle mich immer ermutigt, wenn ich über Künstler stolpere, die versuchen, die inneren Möglichkeiten einer kompositorischen Idee auszuschöpfen, die endlosen Variationen der farbigen Quadratbilder von Josef Albers, die medienunabhängigen Experimente mit demselben Thema in der Kunst von László Moholy-Nagy und die systematischen Datenvisualisierungen in der visuellen Ästhetik meines Zeitgenossen Refik Anadol. Ich fühle mich inspiriert von der meditativen Natur der Serialität, der Ruhe der subtilen Unterschiede und dem harmonischen Rhythmus ineinandergreifender Rahmen.

Mein Gefühl für Zeitlichkeit findet seine Entsprechung in den Mehrkanal-Installationen von Isaac Julien, die auf poetische Weise über den kontinuierlichen Fluss der Zeit reflektieren, und auch in den fesselnden Zeitlupenvideos von Bill Viola.

Ich sehe die Wirkung meiner Bilder in der körperlichen Darstellung des Mediums, die über die über die Materialität der Farbe hinausgeht, eine kritische Revision der Assoziationen, die mit Assoziationen zu Gemälden, komplexen Geschichten, theoretischen Rahmen und Praktiken. Ich frage mich, ob eine Komposition am besten als ein Raum definiert werden kann, in dem das Zusammenspiel von Individuen und das Drama des Sozialen inszeniert wird. Ich gebe zu, dass die Malerei ein aufschlussreiches Bild des Künstlers liefert, der sie geschaffen hat.

Aber während die Lyrik des Abstrakten Expressionismus als Ausdruck der Innerlichkeit des introspektiven Ichs behandelt wurde, verherrlicht mein Ansatz nicht nur die Subjektivität, sondern bietet auch eine visuelle Entsprechung zu den Erfahrungen der zeitgenössischen Welt. Ich frage mich immer wieder, ob die enormen Ausmaße meiner Leinwände, die oft über Lebensgröße hinausgehen, und die kraftvollen, energiegeladenen Spuren meiner ästhetischen Interventionen eine a priori Klassifizierung in Bezug auf das dahinter stehende Geschlecht erforderlich machen. Mein expressionistisch geprägter Stil wurde immer mit männlichen Künstlern gleichgesetzt, aber ich bin überzeugt, dass diese einseitige Tendenz keinerlei Berechtigung hat. Ich bin der festen Überzeugung, dass die Härte des Malens, die Kühnheit des Experimentierens und die immensen Formate, die ich wähle, nicht automatisch mit Männlichkeit assoziiert werden sollten. Die kritischen Aspekte in Bezug auf das Geschlecht sind in meiner Arbeit nicht direkt kodiert. Aber ich versuche, eine Anspielung auf die Tatsache zu machen, dass reiche Intimität und Heldentum keine ausschließenden Begriffe sind. Tatsächlich könnten die künstlerischen Wertkriterien von der weiblichen Tugend abgeleitet werden, und die Größe des Werks ist für ein ästhetisches Urteil irrelevant. Die geschlechtsspezifischen Schubladen führen in die Irre und sind das Ergebnis irreführender Interpretationen. Meines Erachtens können Künstlerinnen auch als sensible Seismographen unserer Gesellschaft fungieren, und als solche haben sie die gleiche Kompetenz und Autorität wie Männer, ihre viszeralen Instinkte auf ein taktiles Medium zu übertragen, das von einem unermüdlichen menschlichen Körper aktiviert und kontrolliert werden muss.

 

Mit diesem Denken bin ich eins mit einigen der Künstlerinnen, die mich durch ihre Statur fasziniert haben - Annie Albers, Perle Fine, Hilma af Klint, Elaine de Kooning, Joan Mitchell und Corinne Michelle West. Ich betrachte sie als meine Vorfahren, denn sie hatten entweder einen radikalen Ansatz zur Nicht-Figuration oder eine gewisse Neigung, die physischen Grenzen der bemalten Leinwand zu betonen, und sie betrachteten ihr eigenes Werk als kartografische Darstellung ihres körperlichen Ausdrucks und ihrer körperlichen Arbeit. Ich betrachte mich als eine Künstlerin, die allein und unabhängig arbeitet. Die charakteristische Haltung meiner Kunst beruht auf dem individuellen, einsamen Aspekt, da ich mich absichtlich von großen Ateliers distanziere, die von einem Heer von Assistenten unterstützt werden. Deren "Produkt" besitzt einen anfälligen genetischen und fragwürdigen Wert. Mein Geistesprodukt hat nur eine Mutter. Ich arbeite nicht für Aufträge, und ich kann keine meiner früheren Kompositionen wiederholen.

 

In meiner eigenen Praxis wird die Malerei als eine eigenständige Einheit verstanden, die unergründliche Tiefen aufweist und einen unendlichen psychologischen und physischen Raum suggeriert. Deshalb ist die Entwicklung meiner Bilder, ihr Fortschreiten von der Entstehung bis zu ihrer Vollendung von wesentlicher Bedeutung. Meine schöpferische Arbeit gleicht den Bemühungen eines Alchemisten, der versucht, ein mysteriöses Geheimnis zu lüften.

Obwohl mein Atelier leicht mit einem Laboratorium in Verbindung gebracht werden kann, kann ich es mir nicht leisten, zeitaufwändige Experimente durchzuführen, wie es ein Wissenschaftler tun würde. Eine Analogie mit einem Operationssaal ist angemessener. Ich muss schnell und effizient arbeiten, damit die Farbe in meinen Bildern nicht eintrocknet. Ich verwende eine dünne Farbe, die es mir ermöglicht, komplizierte, geschichtete Texturen auf meine Leinwände aufzutragen. Meine Primärfarben sind helle, feurige und gesättigte Direktfarben, die zusammen mit einer speziellen Art von Gel als Grundstruktur dienen. Ergänzt werden sie durch den Einsatz der Spritzpistolentechnik, die eine zusätzliche Schicht bildet, die die dunkleren Töne der Oberfläche akzentuiert. Dies verleiht meinen Kompositionen auch eine illusorische Tiefe, eine flächengebundene Plastizität, die an das imaginäre Fleisch und Blut meiner Kreaturen erinnert. Ich lege großen Wert auf die Viskosität der Farbe, experimentiere gerne mit neuen synthetischen Materialien und interessiere mich für die chemischen und physikalischen Eigenschaften der verschiedenen Pigmentmischungen, für die Möglichkeiten von Streckmitteln und Verzögerern und für das Verhalten von verschiedenen Substanzen in der Mischung. Ich mische die Farben miteinander, indem ich die Leinwand auf dem Boden in verschiedenen Winkeln kippe, wodurch lavaartige Formationen und biomorphe Formen entstehen, die an die Vegetation einer surrealistischen Landschaft erinnern. Das unentwirrbare Geflecht der Oberfläche wird durch einige verschlungene, ausdrucksstarke, kalligrafische Linien weiter ausgearbeitet, die normalerweise durch Tropfen und Spritzer der Farbe entstehen. Sie sollen ein Gegengewicht zu den wolkenartigen Mustern bilden, die ungleichmäßig den gesamten Rahmen ausfüllen. Sie sollen auch die Wahrnehmung des Betrachters in diesem immersiven, schwebenden Universum lenken, das ich in meinen Kompositionen erschaffe.

Ein bedeutendes Merkmal meiner Bilder ist die Abwesenheit des Pinsels. Meine allumfassende körperliche Präsenz, meine heftigen, aber koordinierten Gesten, die Spontaneität der schwingenden Bewegung meines Arms und die subtilen Gleichgewichte meiner Körperhaltungen sind für die Behandlung verantwortlich. Ich vermeide es bewusst, während des Malens meine Emotionen auszudrücken, denn meine Arbeit erfordert eine fokussierte Konzentration, eine intuitive, aber logische Führung meines Geistes. Malen ist für mich eine intime, persönliche Angelegenheit, eine inszenierte Performance, die durch eine Reihe von Ereignissen entsteht, bei der es keine kleinen Schnitte gibt, nur eine einzige Gelegenheit, bei der ich mir keine Fehler leisten kann. Ich möchte als jemand beschrieben werden, der eine New-Age-Mystik in seine Arbeit einfließen lässt, eine Künstlerin, die auf den Grund der ästhetischen Investition schaut, die die Abstraktion bieten kann. Eine Künstlerin, die die geistigen Kanäle ihres gestischen Ausdrucks, die manuellen Abdrücke in einer Welt einsetzen kann, die die anorganische Bewegung, die unmenschliche Energie und die Flut der unbeweglichen und mechanischen Reproduktionen. Ich glaube fest daran, dass meine Bilder Momente zurückbringen können, die in unserem langweiligen und korrodierten Leben verblasst sind. Ich bezeichne sie als Ornamente eines neuen Existenzialismus. Sie können uns helfen, unsere Sinneserfahrungen zu aktivieren und die Möglichkeiten unserer kreativen Vorstellungskraft zu erweitern. Ich bin auch davon überzeugt, dass sie letztlich den verlorenen Glanz der Natur zurückbringen können, der für unser unbeschwertes Leben so unverzichtbar ist.

image00001
image00002
image00004
image00003
image00005
bottom of page